Au milieu des années 1920, trois femmes, Abby Aldrich Rockefeller et deux de ses amies, Lillie P. Bliss et Mary Quinn Sullivan, mécènes influentes et progressistes, perçoivent la nécessité d'offrir une alternative aux politiques conservatrices des musées traditionnels aux États-Unis. Réussissant à persuader l'industriel et banquier Anson Goodyear de les soutenir. Le Museum of Modern Art, connu sous l'acronyme MoMA, est inauguré en 1929 et situé depuis 1939 dans le quartier de Midtown à Manhattan, New York sur la 53e rue, entre les cinquième et sixième avenues.

Le MoMA fait partie des musées d'art moderne les plus importants et les plus influents dans le monde. La collection du MoMA offre un aperçu de l'art moderne et contemporain, principalement européen et américain ; elle comprend plus de 200 000 œuvres, des dessins, peintures, estampes, sculptures, photographies, des œuvres d'architecture et de design, des livres illustrés et livres d’artistes, des films et des médias électroniques.

Quelques uns des chefs d'œuvre choisis subjectivement par Amélie :

1- Nuit étoilée de Van Gogh 1889 - Auvers sur Oise

La lumière nocturne est rare en peinture, Van Gogh peint le ressenti, impression que tout bouge sauf le spectateur.

2- Le rêve du douanier Rousseau 1910

Ce peintre "autodidacte", douanier de son état, n'a jamais voyagé. Ses tableaux sont reconnaissables au premier coup d'œil (inventivité et naïveté).

3- Les demoiselles d'Avignon de Picasso 1907

Ce tableau montre les différentes pistes que Picasso emprunte pour se détacher de l'académisme : couleurs (Matisse avait déjà travaillé sur l'utilisation de couleurs non naturelles), perspectives (Cézanne avait déjà utilisé la multiplicité des points de vue pour ses natures mortes), corps humain…

Dans la 1ère version un marin tenait un crâne et finalement ce sont les fruits (périssables) qui indiquent la mortalité.

4- L'oiseau dans l'espace Constantin Brancusi 1926

Cette œuvre en bronze et pierre a été refusée à la douane car considéré comme une œuvre industrielle ! Un procès Brancusi contre les Etats-Unis a eu lieu en 1929 (voir l'article des Beaux-Arts sur le sujet).

5- Matisse

5-1 Les coloquintes 1916

Travail expérimental après sa période fauve, Matisse travaille sur le noir et sa relation avec la lumière. Le noir représente le rêve et le blanc la réalité.

5-2 Les marocains 1916

très grand format

5-3 Nature morte d'après la desserte de Jan Davids de Heem 1915

reprise de ce tableau classique.

6- La persistance de la mémoire de Dali 1931

Dali peignait ses fonds à l'avance puis ses premiers plans sur une impulsion. Ici Eros (fourmis) et Thanatos (le temps). Les montres molles lui ont été inspirées par un camembert coulant...

Voir Destino court métrage de Dali/Disney de 1945 repris et terminé en 2003 par les studios Disney, poétique et étonnant.

7- Object de Moret Oppenheim 1936

Le surréalisme est un courant en réaction à l'absurdité de la 1ère guerre mondiale. L'un des vers de Lautréamont est une maxime surréaliste : Beau comme la rencontre fortuite sur une table de dissection d'une machine à coudre et d'un parapluie.

8- Broadway Boogie Woogie de Piet Mondrian 1942-1943

Le tableau se compose d'une grille assez dense (mais irrégulière) de lignes jaunes, ponctuées de petits carrés rouges, bleus et gris, sur un fond blanc, donnant au tableau un rythme endiablé. Si certaines surfaces, créées par les intersections des lignes, sont laissées en blanc (comme dans tous les tableaux de Mondrian), certaines au contraire accueillent des rectangles dont la plupart sont composés de carrés ou de rectangles de diverses couleurs, conférant ainsi au tableau un aspect extraordinairement ludique et juvénile. La couleur noire est souvent représentative de l'Europe.

9- One number #31 de Pollock 1950

C'est l'une des trois peintures dripping* à grande échelle, les deux autres étant Autumn Rhythm (Number 30) et Blue Poles, que Pollock a créées en 1950 dans sa grange-atelier emblématique d'East Hampton, à New York

*Dans les arts plastiques, le dripping (terme anglais signifiant « égouttement ») est une technique consistant à laisser goutter de la peinture, voire à projeter celle-ci sur des toiles ou surfaces horizontales de façon à obtenir des superpositions de plusieurs couleurs d'un même spectre.

Jackson Pollock, né le 28 janvier 1912 à Cody dans le Wyoming et mort le 11 août 1956 à Springs dans l'État de New York, est un peintre américain de l'expressionnisme abstrait, mondialement connu de son vivant.

Il réalise plus de 700 œuvres, peintures achevées, essais peints ou sculptés et dessins ainsi que quelques gravures et a une influence déterminante sur le cours de l'art contemporain.

10- Numéro 16 (red, brown and black) de Rothko 1958

Mark Rothko, né Markuss Rotkovičs le 25 septembre 1903 à Dvinsk (gouvernement de Vitebsk, actuelle Daugavpils en Lettonie) et mort le 25 février 1970 à New York, est un peintre américain. Classé parmi les représentants de l'expressionnisme abstrait américain, Rothko refusait cette catégorisation jugée « aliénante ». Dans ses toiles, en effet, il s’exprime exclusivement par le moyen de la couleur qu’il pose sur la toile en aplats à bords indécis, en surfaces mouvantes, parfois monochromes et parfois composées de bandes diversement colorées. Il atteint ainsi une dimension spirituelle particulièrement sensible.

11- Campbell soup cans d'Andy Warhol 1962

Andy Warhol, un dessinateur publicitaire qui deviendra un producteur de musique et réalisateur de films de la scène underground expérimental, présente ce travail le 9 juillet 1962 lors de sa première exposition en tant qu’artiste, à la galerie Ferus de Los Angeles en Californie. Cette exposition marquera le début du pop art sur la côte est des États-Unis. La combinaison du processus semi-mécanique, du style non-pictural et l’aspect commercial du sujet commence par choquer, car le mercantilisme flagrant de l’œuvre représente un affront direct à la technique et à la philosophie de l'expressionnisme abstrait. Cette controverse conduit à de nombreux débats sur les mérites et l’éthique de ce type de travail. On se questionnait, et on se questionne aujourd’hui encore, sur les motivations de Warhol en tant qu’artiste.

12- Faith Ringold

Faith Ringgold, née Faith Willi Jones le 8 octobre 1930 à Harlem[1] et morte le 13 avril 2024[2] à Englewood (New Jersey), est une artiste afro-américaine connue pour ses peintures mosaïques et ses courtepointes. Faith Ringgold a un domaine artistique extrêmement vaste et diversifié, allant de la peinture aux courtepointes, de la sculpture aux livres d'enfants. En 1973, alors qu'elle commence à être connue et reconnue, elle quitte l'enseignement pour se consacrer entièrement à la création.

12-1 America Free Angela

12-2 United States of Attica 1967 sur le même format que le tableau de Guernica qui a l'époque était exposé lui aussi au MOMA.

12-3 The American People Series #20: Die (litt. « Série sur le peuple américain, no 20 : Meurs ») est une peinture à l'huile sur toile réalisée par l'artiste américaine Faith Ringgold en 1967.

Inspirée du tableau Guernica de Pablo Picasso (1937) et peinte au milieu des émeutes et des soulèvements des années 1960 (en), Die est une œuvre à deux panneaux représentant un groupe d'hommes, de femmes et d'enfants noirs et blancs, la plupart blessés ou couverts de sang, qui se battent, fuient ou meurent sur un fond gris abstrait.Cette œuvre a été largement citée comme l'une des plus importantes et des plus emblématiques de Ringold.

13- Self Portrait de Frida Kahlo 1940

En 1940, Frida Kahlo vit des moments difficiles. En plein désespoir, elle vient de divorcer de Diego Rivera, un artiste mexicain célèbre pour ses peintures murales. Leur mariage fut assez explosif, entre violences, tromperies, fausses couches, jalousies et alcoolisme, le divorce était inévitable. C’est ce qu’elle nous raconte dans ce tableau où elle souhaite effacer toute trace de sa féminité : plus de beaux cheveux, plus de bijoux, plus de belles robes colorées. Pour accompagner ce changement radical d’apparence, elle accompagne son Autoportrait aux cheveux coupés d’une petite chanson, au-dessus de la toile. Une portée musicale (illustrant un air traditionnel mexicain) accompagnée de paroles illustrent ce triste moment : « Tu vois ! Si je t’aimais, c’était pour tes cheveux. Maintenant que tu es chauve, je ne t’aime plus ».

14- Kenneth Fearing d'Alice Neil 1935.

Ce peintre issu du spanish Harlem a peint ce poète communiste (utilisation symbolique de la couleur rouge) avec un coeur qui saigne.

15- Performances

15-1 : Grand orgy to awaken the dead at the moma (Gigantesque orgy pour réveiller les morts au MoMa) de Yayoi Kusama 1969

Huit participants ôtent leurs vêtements et se positionnent près et dans la fontaine du pavillon du musée, bien en vue des visiteurs, afin de dénoncer le conflit au Viet-Nam. Effectivement, l’événement fait la une de la presse.

15-2 The Artist is Present de Marina Abramovic - 2010

Du 7 mars au 31 mai 2010, pendant soixante-quinze jours, soit le temps de sa rétrospective new-yorkaise1, Marina Abramovic est restée assise sept heures par jour devant une table dans l’atrium du MoMA. Habillée selon les jours d’une longue robe rouge, blanche ou bleue, elle s’est offerte aux regards des visiteurs comme une statue vivante, silencieuse et confiante. Durant sept cent seize heures et trente minutes exactement, sa personne s’est risquée à la contemplation, aux projections comme aux confidences muettes de mil cinq cent quarante-cinq regardeurs. Certains visiteurs restent deux minutes, d’autres quelques heures.L’homme qui s’est assis devant Marina, c’est Ulay, l’amour de jeunesse de Marina. Il est venu lui faire la surprise. Les deux anciens amoureux, qui s’étaient dits au revoir il y a plus de 20 ans sur la Grande Muraille de Chine, profitent de cette minute pour s’observer mutuellement.